Paris, Texas

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Frontière mexicaine. Après avoir disparu pendant quatre années, Travis émerge du désert pour réapparaître dans la vie de son frère Walt, qui le croyait mort et a élevé son fils Hunter depuis sa dispariion. Travis a tout oublié et va lentement reprendre possession de son passé et redécouvrir son fils. Il décide alors, en sa compagnie, de retrouver Jane, sa femme.

UNE LONGUE HISTOIRE

Paris, Texas ne s’est pas toujours appelé ainsi. La première version du scénario sera écrite par Wim Wenders, qui s’est laissé inspirer par le recueil de nouvelles de Sam Shepard, Motel Chronicles. Ce sera également le premier titre de ce qui n’est alors qu’un projet. Seulement Wim Wenders et Sam Shepard, à qui il fait lire ce premier travail, ne sont pas satisfaits du résultat. Ils décident alors de réécrire l’histoire à quatre mains. Ce sera Transfixed, ou l’histoire de Travis, qui sort du désert pour rentrer illégalement dans son propre pays. Un homme perdu, sans papiers, mais avec un but. Wenders décide de commencer à tourner alors que seule la première moitié du scénario est écrite, se disant que la suite se laisserait mieux écrire avec un début d’images. Entre temps, Sam Shepard est pris par sa carrière d’acteur et Wim Wenders se retrouve avec une moitié de film mais sans son co-auteur. Kit Carson, papa de l’enfant qui joue Hunter dans le film, est également scénariste. Il va aider le réalisateur à relancer le travail d’écriture. S’ensuit alors une liaison téléphonique, nuit après nuit, entre Wim Wenders et Sam Shepard, qui tourne à l’autre bout des Etats-Unis, pour poursuivre l’écriture du scénario. Aidé de son assistante, qui n’est autre que Claire Denis, il transcrit ainsi toutes les nuits le fruit de ses conversations téléphoniques avec l’acteur, afin de pouvoir tourner le lendemain. Le tournage sera ainsi chronologique, mis à part le film super 8 montré dans le film, qui sera lui mis en boîte le tout dernier jour. C’est au cours du tournage que le titre définitif, Paris, Texas, sera donné bien que, faute de budget, la production n’ait jamais atteint ce lieu.

PARIS………… TEXAS

Le film démarre lentement, suivant le rythme de Travis, qui est à pied. Il prendra, avec les retrouvailles des deux frères, son rythme de croisière, celui de la route. Travis refusera même de prendre l’avion, moyen le plus rapide pour rejoindre Los Angeles et son fils. Il ne veut pas quitter le sol par peur de perdre pied. Il faut d’abord qu’à travers son frère, il se retrouve avant de pouvoir faire de nouveau face à son fils. La route entre le Texas et la Californie sera donc celle de la ré-acclimatation à la vie, à sa vie. Après plusieurs jours, le premier mot qu’il prononcera sera "Paris", comme jadis quand son père présentait leur mère - il disait qu’elle venait de Paris puis, après une pause, rajoutait "Texas", pour créer un effet. Travis, lui, ne veut pas créer d’effet, même si Walt croit qu’il veut aller en France. Il veut en fait aller sur un bout de terrain qu’il a acheté à Paris au Texas pour rendre hommage à cette mère qui en était originaire. A moins que ce ne soit un prétexte pour prolonger la route, pour avoir plus de temps pour se préparer. Il lui en faudra du temps pour parvenir à gagner la confiance d’Hunter, dont il n’a connu que les quatre premières années, la moitié de la vie de l’enfant. C’est ensuite en sa compagnie qu’il partira rechercher Jane, la maman d’Hunter. Ce sera un moment difficile pour lui car il sait que la fin de la route est proche et que son amour pour ces deux êtres n’a jamais été aussi grand. Tellement grand qu’il leur en donnera la plus belle des preuves.

FIL ROUGE

Le caméraman Robby Müller a réussi le magnifique travail de donner à chacun des plans du film la même atmosphère. Que ce soit le bleu du ciel du désert, que l’on retrouve sur la peinture de la voiture de location, et plus tard sur celle que Travis s’achète, en passant par les murs du bâtiment où travaille Jane, ou les tons de sa pièce de travail. La véritable couleur dominante étant cela dit le rouge. De la casquette que porte Travis au début au couvre-lit du motel, du sofa aux stores de la maison de Walt, de la Volkswagen dans laquelle Hunter trouve refuge au pull-over qu’il portera plus tard, alors qu’il roule en compagnie de son père qui, lui, a une chemise rouge – les deux portant la même couleur alors qu’ils se sont enfin retrouvés, accentuant l’harmonie qui règne désormais entre eux. Jane roule en Chevrolet rouge et sur le siège avant et la plage arrière de sa voiture se trouvent des objets dans les tons de rouge, même le pull-over rose qu’elle porte prendra une teinte rouge alors qu’elle est sans le savoir confrontée à Travis. Dans la chambre d’hôtel à la fin du film, Hunter porte des chaussures rouges et sur la télé se trouve une bouteille de ketchup, autant de détails qui fourmillent tout au long du film. Ce fil rouge est doublé d’un incroyable travail sur la lumière que Müller a du effectuer pour balancer la luminosité du désert avec les scènes en intérieur, mais aussi et surtout pour créer cette empreinte colorée qui apparaît régulièrement dans le film.

HARMONIE

Ainsi, le film est parsemé de scènes transformées en bains de lumière colorée au gré de néons de couleur verte, rouge ou bleue, comme autant de tableaux donnant une atmosphère unique au film. Ces scènes sont comme des états en suspens dans le déroulement de l’histoire, que ce soit celle dans laquelle le médecin examine Travis au tout début du film, celle de son retour dans le monde des vivants ou encore quand il apprend où il peut retrouver Jane, celle où il traverse le lieu où elle travaille, passant de l’atmosphère verte à la rouge, avant de traverser la bleue qu’il retrouvera lors du monologue de fin. Quand la scène n’est pas entièrement baignée de cette lumière, c’est une petite touche qui vient la rappeler; ainsi, la nuit n’est jamais totalement noire. Ce travail sur la lumière n’a pas amoindri le soin apporté aux cadres, et bien qu’une grande partie du film se passe sur la route, Wim Wenders et Robby Müller ont fait attention à ne pas enchaîner les mêmes prises de vues mais ont au contraire travaillé à les varier le plus possible. Ils se sont même essayé au splitfocus, qui donne un arrière-plan aussi net que le premier, pour des plans d’une jouissive perfection, rendant ce long trajet en voiture des plus intéressants. Cette technique sera également utilisée dans la maison de Walt et lors du monologue de fin. Des plans qui, du désert du début aux buildings de Houston, sont d’une beauté fascinante; pour exemple ce plan au cours duquel le visage de Travis se substitue sur le miroir au visage de Jane, ils ne font plus qu’un, comme au temps où ils étaient encore un couple. La guitare de Ry Cooder, seule musique utilisée dans le film, vient ajouter une émotion supplémentaire. Ses accords viennent caresser les images pour leur donner une lumière, un accompagnement en totale harmonie.

PURE EMOTION

A cela vient s’ajouter le travail des acteurs. Le film débute et se termine avec Harry Dean Stanton qui imprime sur la pellicule sa haute silhouette mince. Il a déjà une longue carrière derrière lui mais Travis sera son premier rôle principal. Dix ans trop tard selon Wim Wenders, mais jamais trop tard pour le spectateur, qui suit avec émotion et tendresse le douloureux parcours du père et mari qu’il incarne à la perfection. Nastassja Kinski avait déjà joué pour Wenders dix ans plus tôt dans Faux Mouvement, son premier film; elle avait alors quatorze ans. Il avait tourné avec une enfant et retrouve une actrice accomplie dont le face à face avec Harry Dean Stanton est le moment le plus intense du film. Un long plan sur le visage de l’actrice qui donne une résonance particulière aux mots du monologue de Travis. L’émotion à l’état brut. Dean Stockwell incarne aussi parfaitement ce frère qui fait tout son possible pour rendre sa vie à Travis, même si c’est au détriment de la sienne. Alors qu’Aurore Clément, sa femme à l’écran, est lumineuse en mère de substitution de Hunter. Celui-ci est interprété par Hunter Carson qui, du haut de ses huit ans, a prouvé selon Wim Wenders un bel esprit d’improvisation, la merveilleuse scène de retrouvailles entre la mère et l’enfant en étant un exemple. Si Paris, Texas a obtenu la Palme d’Or, le prix international de la critique et le prix œcuménique à Cannes en 1984, c’est parce qu’il représente l’accord parfait entre un scénario bien écrit, des images d’une telle beauté qu’elles en deviennent des tableaux - l’avant-dernier plan sur le parking ne dépareillerait pas dans une exposition du peintre Hopper -, des acteurs qui donnent une dimension à leur personnage et une musique qui accompagne si bien qu’elle devient l’ombre des images. Le film le plus beau et le plus émouvant de ces vingt dernières années, et ce pour longtemps encore.